上海平面设计培训班浅析被平面设计所借鉴的艺术语言。陶瓷的发明是人类文明的开始，是我国在世界文明史上留下的浓重一笔。陶瓷器的制作与使用距今已有上万年的历史，我国陶瓷艺术相伴着陶瓷技术孕育而生，经过几个世纪的发展，形成了璀璨的陶瓷艺术史，是我国古代文化的重要组成部分，在世界上有着深远的影响。本文试图通过对传统陶瓷艺术的深度探析，挖掘出能被平面设计所借鉴的艺术语言，以增强现代平面设计语言的艺术表现力。

 

 

传统陶瓷艺术展现了我国古代劳动人民的造物智慧，有着极高的文化艺术价值，是物质文明与精神文明相结合的产物。我国传统陶瓷器物的种类繁多、形态各异，不同的时期有着不同的审美观念，传统陶瓷艺术史是一个秉承传统与发展变革的过程。传统陶瓷艺术在造型方面，首先是满足使用功能考虑，如彩陶文化的“双耳尖底水瓶”，其双耳系绳，尖底进入水平面，依靠重力和浮力进行取水，在惊叹先人们智慧的同时，我们发现器物的造型美来自于适当的比例和完美的使用功能相结合。大部分的陶瓷制品都保持着“口、颈、腹、底”等部位比例协调、轮廓线有韵律感等特征。而釉色方面注重色彩的纯净与质感，黑釉如漆，白釉纯净优雅，青釉色泽似冰似玉，彩釉讲究色彩的融合自然、绚丽等特征。装饰纹样方面，多以吉祥寓意的动植物图案和生活元素为题材，是古代人民对美好生活向往的精神追求的写照，纹样的使用讲究构图与器物造型的巧妙结合，纹样表现手法具有统一性特征，如磁州窑的黑白瓷器的纹样，随意、形象生动写意、用笔流畅、手法洒脱，黑白对比与水墨晕染在陶瓷中体现得淋漓尽致。唐代陶瓷艺术最有成就的当属釉色运用，出现了“釉下彩”、“三彩”等艺术形式。“唐三彩”使用黄绿、褐色、蓝色、白为主要釉色，烧制后的色彩自然混合，鲜艳夺目。造型方面追求体大、饱满和圆润，直接反映了唐朝盛世时期的精神面貌。宋代是我国瓷器艺术发展的一个鼎盛时期，以烧制单色白釉、青釉瓷为主，追求釉色纯净高雅、造型简洁、秀丽挺拔的艺术特征。当时的黑釉刻花瓷也是当时少数权贵之人的把玩器物，刻花工艺借鉴了以传统剪纸技艺来丰富瓷器的表现形式。宋代无论是瓷器还是山水画、书法都表现出自然平淡、质朴含蓄的高雅审美情趣，看似简洁的表象之下蕴含着博大的哲学思想，我们可以把它理解为经唐代鼎盛之后返璞归真的精神追求的体现。元代的陶瓷在很长一段时间里被人们所忽视，当一件件精品陆续出土以后，才被人们重视起来。整体来看元代的陶瓷艺术带有明显的游牧民族风格，釉色肥厚圆润，造型也较为粗壮，体现了蒙古族彪悍的民风。明清时期以烧制青花瓷为主，这种白底青花的装饰效果，白色的纯净与青色的悠远在笔墨的浓淡中表现出了较为高雅的格调，似乎也为我国古代陶瓷艺术画上了圆满的句号。

 

 

上世纪二三十年代的上海“月份牌”广告的出现，开启了我国现代平面设计之路。在随后的平面设计道路上，我们不断地学习外来文化，平面设计虽然有了很大提高，但在国际视野下，我国的平面设计相对其他国家的平面设计而言没有明显的风格特征。究其原因，有以下几方面问题：

 

（一）“崇洋媚外”思潮的影响

 

改革开放以后，我国为了加快发展的脚步，国门开放，大量的外来文化涌入，而国人似乎不分好坏就全盘接受，致使传统文化受到了严重的冲击。在大力学习所谓的西方先进文化的同时忽略了对优秀传统文化的重视，设计出的作品，缺少本民族的精神追求，无法体现民族气质。

 

（二）对数字技术表现形式的过度依赖

 

随着经济的快速发展，传统手绘、雕刻、模板印刷等形式很快被计算机应用技术取代，很多平面设计人员过度依赖计算机的数字表现形式，而忽略掉真正的设计语言。设计人员一度认为会使用数字图形、数字颜色就是掌握了设计语言，甚至很多人拿电脑技术的高低来衡量设计水平，使设计作品流于形式，缺乏文化内涵。

 

（三）对传统文化理解的表面化

 

传统艺术中的符号都是经过几千年的发展而凝结成的，代表了我国传统文化的内在精神，但这种独特的精神内涵却不能在平面设计中被很好的表达出来。我国曾一度提倡要使设计本土化，但随之而来的是对我国传统元素生搬硬套的现象出现，认为将“水墨”、“汉字”、“印章”等中国元素运用上就是中国文化，使得设计面貌缺乏内涵。同属于东方的日本，将外来文化的表象与本国精神内涵相结合，其设计面貌在世界上独树一帜，很值得我们学习。

 

 

艺术的表现形式各异，但其最终给人美的享受是一致的。陶瓷艺术经过几千年的发展，形成了古代劳动人民的创作思维与中国式的审美标准“。原发性视觉思维是现代专业艺术家梦寐以求而又难以得到的”。平面设计领域如果从原发性入手，结合传统陶瓷艺术来探寻中国平面设计表现的方法，将大大丰富民族性设计语言。我们从以下几方面进行分析：

 

（一）形

 

平面设计和传统陶瓷艺术都是造型艺术的一部分，都需要依靠一定的形状来展现作品。在传统陶瓷艺术中，宋代瓷器的造型可谓登峰造极、极具代表性。宋代的社会稳定，经济繁荣，又受当时儒释道文化的影响，上至贵族下至百姓在精神层面都追求一种洒脱和素雅，提倡以简代繁、规范概括的美学准则。瓷器器物以单色青釉为主，所以它的视觉变化更多的表现在了造型上，其“清秀挺拔、气韵生动”都是通过“S”型轮廓线条的走势表现出来的。平面设计虽然是二维图形，但其线条在构成上应注意神韵的表现，形状图形的比例要适当，造型要少而精，要规范处理形状线条，在曲直、粗细、长短方面来体现图形的精神内涵。就像宋瓷一样，蕴含着我国传统儒释道文化中对艺术追求，不需要繁复的造型，一条线足以，正所谓“大音希声”“大象无形”。

 

（二）色

 

色彩对于平面设计来说是一个重要的表现形式，虽然色彩有无数种组织的可能性，但在如何体现民族性方面，总有一些内在的规律可循。传统陶瓷艺术中的色彩使用与其材料特性息息相关，也是我国传统文化的外向情感表达，整体可划分为单色系和多色系。单色以“白、黑、青、褐”色为主，较少出现其他浓艳的色彩，这与我国传统美学中遵循的“含蓄美”有直接的关联。如宋瓷的青釉，其色泽淡雅莹润、意境深远，正是我国传统美学的体现，这一点也是区别于西方艺术的关键所在。黑白色的使用更是我国传统水墨绘画当中的主要手段，笔墨的浓重清淡是对描绘物象的概括与写意，其注重的是神韵的表现而非形的再现。褐色的体现源自于原始陶器的色彩，原始陶器中的褐色是陶土未经任何装饰而烧制出的效果，有着原始的质感与古朴的审美感受。多色系中最突出的莫过于“唐三彩”了，它并非只使用三种颜色，而是以“黄绿、褐色、蓝色、白”为主要釉色，彩釉通过高温烧制，在陶瓷器的表面自然流动相互混合出色彩斑斓的视觉效果。由此我们可以看出，平面设计中的色彩应注重形与色的协调统一，追求色彩精神层面上的表现，整体上遵循我国传统的美学思想。

 

（三）纹

 

我国传统陶瓷艺术中的装饰纹样绚丽多姿、题材丰富，充分体现了我国古代人民对美的向往与追求。从原始陶器开始，陶瓷艺术中的纹样大致分为“几何纹样“”动植物纹样“”人物场景”“神话故事”等。纵观古代陶瓷艺术不难发现，每一个时期、每一种器物类型，都有其相对固定的纹样装饰，如彩陶文化时期，装饰图案以较为直观的形式描绘在陶器上，其形象生动概括，并带有几何纹样的审美表现，如“水纹尖底陶瓶”上流动旋转的水波纹就是以线条的共用来组织成连续图案。我们在进行标识设计时常常被线条所困扰，一味的空想形式如何表现，而忽略了从实物本质上去找形的表象。宋代刻花梅瓶上以“牡丹纹”为主，明清时期的陶瓷以“花鸟纹”为主，磁州窑则以百姓喜闻乐见的写意图形为主。众多的装饰纹样题材都有平面设计取之不尽的宝贵资源。就陶瓷艺术中的“牡丹纹”而言，虽然从唐代至清代经历了不同风格的演变，但都有着“图形主次分明、纹样构图与器物适形造型、注重黑白虚实空间分布、表意性强”等特征。现代平面设计的图形运用方面，尤其是标志设计、包装设计等领域，对图形纹样的适形要求更高，只有将图形元素合理地安排在设计形状当中才是一个完整的设计。海报设计更注重的是图形的“表意性”，在看似不相联的图形上找到两者的内在联系，以“抛砖引玉”的方法表达创意。

 

 

随着我国国际化进程的加快，更多的外来文化将如潮水般涌入，我国传统文化将又一次遭受着严重冲击，传统陶瓷艺术中宝贵的文化内涵和技艺也面临着新的挑战，平面设计语言的国际化现象也将更加突显。在此大背景下，我们更应该保持清醒的头脑，深度挖掘传统陶瓷艺术中的审美表现，试图将不同时期的陶瓷艺术在造型、釉色、装饰纹样等方面的艺术语言提炼出来，形成一定的设计理论，并将其灵活地运用在现代平面设计当中，以丰富现有的平面设计语言，使现代平面设计具有更加鲜明的中国民族文化特色。

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